Queste  innovazioni inserite nell’arte trecentesca le ritroviamo direttamente in quest’opera:

il trono è rappresentato con la giusta prospettiva, anche se non siamo ancora ai risultati della prospettiva scientifica scoperta nel 1400. I personaggi sono persone reali, con espressioni umane e non stilizzate, con le giuste proporzioni e movimenti naturali, i loro volumi sono collocati in uno spazio verosimile al reale.  Il disegno si racconta ancora per scansioni geometrizzanti, ma verosimili.

I panneggi lasciano intravedere le linee anatomiche dei corpi, e quasi tutte le linee dei vestiti sono ben definite a scansire piani diversi nello spazio. Stessa è la funzionalità che Giotto da alle architetture nelle quali colloca i personaggi. Questo distrusse pian piano, il concetto di bidimensione delle opere, fino a giungere alla prospettiva scientifica del secolo successivo.Da queste affermazioni, è deducibile che l’artista abbia fatto degli studi dal vero, una pratica del tutto inusuale prima di Giotto.In questo caso, poi,  tutto il fondo ed alcuni particolari dell’opera,come le aureole, o le decorazioni del trono, sono tinte d’oro, il che schiaccia lo spazio come è noto in tutte le rappresentazioni Medievali di questo periodo.

Qui la questione è simbolica, in quanto a ogni personaggio, e a ogni ruolo è associta una tinta definita e per questo tema, quello sacro, costosissima. Ad esempio, i santi erano spesso dorati e con vesti rosse, la Madonna,come in quest’opera, invece, doveva essere rappresentata dal blu oltremare ottenuto dalla polvere di lapislazzuli. Gli angeli inginocchiati e i due in piedi accennano un canto, e questo dà vita alla scena.

Il Bambino in braccio alla Madonna, benedice con un gesto rivolto verso l’esterno del dipinto, ogni osservatore, invitandolo ad osservare di più.

Quadri Famosi, vi ricorda che a Roma al Vittoriano, in questo periodo c’è Giotto e il Trecento, dove potrete osservare alcune tra le opere più importanti dell’artista.

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Il suo stile, e la sua pittura, cambiarono irreversibilmente il corso della pittura successiva.

Tra i suoi innumerevoli allievi, troviamo nomi, come Taddeo Gaddi, Buffalmacco, Puccio Capanna, Stefano, Maso di Banco…che gli furono per sempre affezionati e devoti.

Giotto visse tra il 1266 e 1337. Conferì alla figurazione naturalezza ed eleganza, la filtrò attraverso il pensiero storico. Sostituì alla monumentalità e alla rigidità del passato, l’arte della fusione del divino e l’umano insieme.

Il suo periodo di formazione si sviluppò attraverso Cimabue e in seguito Arnolfo di Cambio. Nel 1300, giunse ad Assisi, dove sviluppò la sua opera eterna, gli affreschi nella Basilica superiore di San Francesco, ( e per la prima volta, parliamo di affresco a scopo dimostrativo per chi li osserva).Tra questi, i più famosi, sono, La rinunzia ai beni paterni, il dono del mantello, miracolo alla fonte..ecc..

Giotto fu il primo ad inserire le figure in un primo spazio prospettico, più definibile per allora, una sorta di quadrato ideale, dove inserire i suoi elementi. Gli elementi architettonici, fungevano un pò da scenografia e spesso dividevano folle o gruppi di persone , di soggetti che “narravano” con la loro posizione il loro relativo ruolo nella socetà ed il loro pensiero. Ne è un esempio la Rinunzia ai beni paterni,  nel quale si capisce benissimo, come in una rappresentazione teatrale, che il gruppo di persone che è dietro al padre di Francesco, stia sorprendendosi della rinuncia ai beni terreni del figlio. La folla dietro a Francesco , invece lo appoggia e comincia a sostenere le stesse idee ed i stessi principi: portare il messaggio del Signore solo con la propria volontà e fede. Nudi di ogni ricchezza terrena.

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