Nel 1788 all’età di 31 anni, William Blake iniziò a sperimentare l’incisione a rilievo, una tecnica che avrebbe usato in numerosi tra i suoi libri, dipinti e pamphlets, ma anche nelle sue poesie, che includono le Profezie e il capolavoro La Bibbia.

Il procedimento si applica anche alle miniature, e ai manoscritti miniati. La stampa miniata in genere, comporta la scrittura del testo della poesia sulla lastra di rame con pennini e pennelli, impregnati in una sostanza resistente all’acido. Questo  per eliminare il rame non protetto dalla vernice e lasciare il disegno in rilievo – da qui il nome di acquaforte a rilievo.

Questo è un metodo inverso rispetto a quello tradizionale, in cui è il segno esposto all’acido ad essere scavato e a ricevere, poi, l’inchiostro per la stampa. L’acquaforte a rilevo, inventata da Blake, in seguito divenne un importante metodo di stampa commerciale.

Solitamente, le pagine stampate da queste lastre sono colorate a manocon la tecnica ad acquerello e unite insieme per formare un volume. Blake usò la stampa miniata per numerose delle sue opere più note: Songs of innocence and of exeperience, The Book of Thel, The Marriage of Heaven and Hell, e Jerusalem. (fonte)

The Lamb

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All’età di diciotto anni, (già alcolizzato), fu spinto dalla madre a dedicarsi alla pittura. Nel 1912 espose per la prima volta nel Salon des Independants e nel 1913 fece la sua prima mostra personale nella Galleria Eugene-Blot. Per tutta la sua opera pittorica dipinse soprattutto paesaggi e nature morte, e predilisse  colori smorti e dai toni grigi.

In molti sostengono che il periodo che va dal 1908 al 1914, fu uno dei suoi momenti più produttivi e lo definirono il suo “periodo bianco“.

Il tema ricorrente nei suoi quadri, furono i vicoli caratteristici di Parigi come Rue Ravignan del 1911, e anche molte versioni di Rue Montmatre. Ovviamente troviamo continue rappresentazioni dei Bistros di Montmatre. Quasi tutti i suoi quadri sono però velati della sua malinconia.

Nei suoi quadri non abbiamo una vera e propria conoscenza programmatica nella composizione, ma molti esperti sostengono che dato il suo gusto di semplificare i piani e le geometrie, Utrillo, si rifaceva anche incosciamente ai fauves, e ai cubisti.

Per il suo grande pubblico però, rimase semplicemente il poeta della vecchia Montmatre che poi riusci a dipingere anche a memoria.

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Questo ritratto fa parte di quella fase dell’opera di Picasso in cui, arrivato ad una buona maturità artistica, il pittore rivela tutta la sua potenitssima sensibilità cromatica.
E’ un momento in cui il colore acquisisce una profondissima vivacità e una funzione strutturale nella composizione e la costruzione delle figure, e il ritratto è fortemente caratterizzato dalla scomposizione della fisionomia che poi viene riproposta contemporaneamente in una vista frontale e una di profilo, rifusa in un’unica immagine, ma comunque separata da una netta linea divisoria(in genere data dal profilo del naso).
“Il Sogno”, che ritrae la sua giovanissima amante, Marie Thérése Walter, placidamente addormentata, non fa eccezione né dal punto di vista cromatico, né da quello della scomposizione e ricomposizione della collocazione spaziale del soggetto.
Marie Thérése, che per lui costituisce un’ideale di donna particolare, di forte sensualità ed erotismo, ma innocente, psicologicamente innocua e poco impegnativa, è una presenza ricorrente nel suo lavoro( tra gli altri la si riconosce anche nel celebre “Donna allo specchio” dello stesso anno).
La figura è data da una serie di linee curve e sinuose, di spessore variabile, che contribuiscono ad accentuare la femminilità della ragazza dormiente.
Come sempre Picasso tende ad esaltare la personalità e il tipo di sentimenti che la persona ritratta suscita in lui, ecco quindi che Marie Thérése viene ripresa sempre con tonalità tenui, nel caso particolare giocate su pallidi toni di lilla e azzurro e bianco, le due zone di colore in cui è diviso il volto della ragazza, sono marcate quanto la linea nera che delinea il profilo del naso e quindi le due differenti prospettive di osservazione, il giallo dei capelli è l’unica nota accesa della sua figura.
Il rimanente della tela è giocato su contrasti cromatici primari e secondari di grande vivacità: il verde sulla sinistra che confina coi toni caldi e rossi della carta da parati e della poltrona, la sorta di grembiule blu su cui si abbandonano le mani della ragazza  tocca zone di giallo digradante in rosso, le ciocche di capelli formate dal contrasto tra un lilla pallido e il giallo primario della chioma.
Quello della ritrattistica degli anni’30, è uno stile pittorico assai diverso da quello degli esordi.
In esso si potrebbe in un certo senso notare un allontanamento dalla pittura e un’accademizzazione dell’antiaccademismo di Picasso stesso.

Robert Rosenblum
Reinterpretare Picasso,
1946-2004: un’autobiografia.

(scritto da Valentina Vezzani)

]]> http://quadrifamosi.net/917/800-e-900/analisi-dellopera-del-dipinto-il-sogno-di-picasso.html/feed 0 http://quadrifamosi.net/910/800-e-900/analisi-della-composizione-pittorica-di-klee.html#utm_source=feed&utm_medium=feed&utm_campaign=feed http://quadrifamosi.net/910/800-e-900/analisi-della-composizione-pittorica-di-klee.html#comments Fri, 12 Jun 2009 15:47:35 +0000 Valentina Vezzani http://quadrifamosi.net/?p=910 “Io sono astratto con qualche ricordo” dice Paul Klee di sé stesso.
In effetti questa può essere una sintesi del suo concetto di astrattismo che è qualcosa di fortemente connesso alla realtà, all’influenza che essa esercita su tutti noi e agli stimoli che ognuno di noi, vivendoci immerso giorno per giorno, ne riceve più o meno consciamente.

Ne deriva così un’idea di pittura come reazione emotiva a tali stimoli.
Così nella pittura di Klee, anche là dove pare prevalere quasi solo libera invenzione, è sempre possibile ritrovare un elemento reale, esterno e riconoscibile benché filtrato dall’analisi e la rielaborazione della memoria.

La sua pittura è legata all’analisi del reale, ma gli oggetti diventano forme nuove, immagini suggerite per associazione all’oggetto preso in considerazione, ma che sono espressione di qualcosa che proviene dall’interno delle cose.
L’artista riceve stimoli dalla realtà esterna, rimandandone altri che gli vengono da qualcosa che è contenuto in essa.

Spesso nelle opere di Klee è sì riconoscibile lo spunto dalla realtà, reso però per collegamenti e spunti inconsci, piuttosto che per immagini riprodotte così come l’occhio le coglie; questo a conferma della convinzione che l’uomo non possa immaginare nulla che non sia già esistente in natura.

A questo può aggiungersi che la sua è una pittura che risente della sua cultura musicale: come molti suoi contemporanei, sente il “significato musicale” della pittura, privilegiando quindi la considerazione della funzione espressiva dell’arte pittorica, piuttosto che rappresentativa.

Klee è un uomo dalla vasta cultura visiva.
Ama l’arte italiana primorinascimentale, l’opera di Michelangelo, l’arte tedesca e francese, Cézanne e Van Gogh.
A Monaco entra in contatto con i “Blaue Reiter” facendo amicizia con Kandinskij, Marc, Macke, Jawlensky.

Nel 1912 incontra Delaunay a Parigi e apprezza le opere di Braque, Rousseau e Picasso.
Tornato a Monaco riprende l’avvicinamento con espressionisti e futuristi.
Inizia come grafico riempiendo fogli e fogli di disegni e solo in seguito ad un viaggio in Tunisia nel 1914, travolto dall’intensità e lo splendore della luce solare di quei luoghi, si lascia definitivamente conquistare dal colore di cui pure già intuiva le potenzialità espressive.

Ai fini della sua opera però, non da meno è l’importanza del disegno e dell’esperienza da grafico che si unisce al colore diventandone parte integrante. La sua è una pittura intellettuale e allusiva fatta e di titoli simbolici, ma suggestivi e mai del tutto astratti, anche se attribuiti probabilmente dopo la realizzazione delle opere e non impressi a priori come primo passo di un preciso programma pittorico.

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Era un uomo travagliato da problemi causati dalle passate esperienze esistenziali e spirituali, ovviamente trascurate dai critici d’arte.
Nato nel 1912 a Cody, nel Wyoming, ai piedi delle Montagne Rocciose, decise di andarsene presto di casa per le misere condizioni economiche della famiglia giungendo Phoenix, in Arizona, e poi in California, a Chico.

In queste zone, tra il 1917 e il 1928, Jackson Pollock visitò siti archeologici pellerossa, frequentò una riserva indiana e vide  alcuni riti tribali che, in seguito, avranno un’importanza fondamentale nella sua ricerca pittorica.

Proprio nello stesso anno, tutta la famiglia si trasferì a Los Angeles, e lui si iscrisse alla Manual Arts High School dove si distinse per la pessima condotta, e poi per le doti artistiche.

Era un ragazzo ribelle e dalla spiritualità latente e si interessò presto ai discorsi di Jiddu Krishnamurti il giovane “messia” della Società Teosofica.

Un suo insegnante Schwankovsky gli consigliò di trasferirsi a New York ritenendo il clima culturale della California inadatto a Pollock che infatti fu espulso dalla scuola e prese a girovagare in autostop nei territori sconfinati degli Stati Uniti.

Gli ultimi anni di vita di Pollock, sono molto intensi dal punto di vista pittorico. La sua pittura diventa frenetica, ossessiva. In questi anni Pollock fa un uso spropositato di alcolici.

Le composizioni di questo ultimo periodo, sono lo sfogo massimo di tutte le sue tensioni interiori.

Nella tela Ricerca, tutte le linee sono sempre piu contorte, vorticose, nervose. I colori hanno lo stesso scopo, sono violenti e hanno una carica dinamica unica. Qui non si può spiegare nulla. C’è  solo da osservare. C’è la presenza di una forza primordiale incontrollata e dirompente. La sua mano è direttamente il prolungamento del suo inconscio. In molti sostengono che questo ricordi le sperimentazioni surrealiste sulla pittura automatica.

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]]> http://quadrifamosi.net/849/800-e-900/ricerca.html/feed 1 http://quadrifamosi.net/835/800-e-900/monet-milano.html#utm_source=feed&utm_medium=feed&utm_campaign=feed http://quadrifamosi.net/835/800-e-900/monet-milano.html#comments Thu, 14 May 2009 15:44:50 +0000 Eleonora Vignaroli http://quadrifamosi.net/?p=835 In questo momento, è da segnalare una mostra irresistibile per appassionati, ma data la sua fama storica, per tutti: Monet a Milano.In questa si è pensato di esporre quelle opere che trattano del periodo di Monet inerente il Naturalismo Giapponese, i giardini, le ninfee, Giverny.

Questa meravigliosa esposizione, la trovate a Palazzo Reale dal 29/04/2009 al 27/09/200.

La Natura si modifica in un tempo immobile.

Del periodo della casa a Giverny possiamo dire, che è il perfetto giardino giapponese in cui Monet da vita il ciclo delle  Ninfee. Venti di questi quadri famosi sono ospitati nell’esposizione milanese. Ad affiancarle alcune stampe  di Hokusai, Hiroshige e altri maestri giapponesi.

Buona visione!

Non vi sono velature, nè riferimenti storici e mitologici nei dettagli. Il corpo ci appare per come posava nella realtà. Sensuale per il candore della pelle e per la posa libera e rilassata della modella. E’ tutto molto primitivo e grezzo. Inoltre i colori puri, e in contrasto tra loro, arricchiscono questo senso di non curanza del finto pudore. Il rosso del letto sta ad accentuare la passionalità che viene sprigionata da questa composizione.

La figura sdraita della donna, ha dei tagli inusuali: sembra che il corpo non entri perfettamente nella tela, e voglia quasi uscirne, cosce e braccia sono infatti tagliate al difuori. Il motivo, potrebbe essere che alla base della costruzione del dipinto, non ci sono rette che convergono, ma pure linee sinuose che dinamicamente mettono in primo piano la morbidezza del corpo, fino a portare l’attenzione sulla zona zona pelvica che Modigliani mette in primo piano. Noi sappiamo che i volti che di solito rappresentava Modigliani, hanno quasi tutti delle caratteristiche molto evidenti: l’asimmetria dei lineamenti, i contorni irregolari e le linee allungate e marcate, tutto questo accentua una forte acutezza psicologia dei soggetti; tutte caratteristiche che ritroviamo in quasi tutti i suoi ritratti.

In questo nudo, però il discorso non cambia: nei corpi, infatti, egli ricercava lo stesso tipo di linea che caratterizzava i volti, e i ritratti. In questo dipinto la linea è allungata, accentua zone del corpo che naturalmente, non sarebbero così, e racconta con passionalità un corpo che ha una storia, e che nudo non vuole dimostrare nulla, ma sta già dicendo parte del suo trascorso. La posa di estremo abbandono, sembra suggerire anche l’idea dell’attesa e dell’incontro amoroso. Nei nudi di Modigliani, troviamo anche la sua ricerca poetica e il punto più alto dell’ emotività dei suoi dipinti.

Nel nudo sdraiato, molte sono le suggestioni che riportano alla lunga tradizione del Botticelli, o anche a Manet e Matisse. Dell’amiente in cui la donna è collocata, Modigliani ci accenna ben poco, spazzi e volumi sono scanditi dai spessori diversi della linea.La ricerca del puro e profano, della carne e dell’idea che Modigliani concentra sullo studio della linea, è la sua fondamentale impronta pittorica.

Quando la tela Nudo rosso, o nudo sdraiato, venne esposta nella sua prima mostra personale nei locali della galleria di Berthe Weil, nel mese di Dicembre 1917, venne convocata la polizia che fece rimuovere alcune delle circa trenta opere esposte, per oltraggio al pudore. L’esposizione, si tradusse quindi in un insuccesso.

Modigliani già malato in precedenza ai polmoni, espone le sue ultime opere alla Hill Gallery di Londra prima della sua morte che avviene a soli trentacinque anni per eccesso di alcool e droghe.

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A Magritte, abbiamo già dedicato l’articolo su Gli Amanti.

Oggi, parliamo di un quadro famoso, considerato però il suo capolavoro: The wind and the song, (Ceci n’est pas une pipe), collezione privata, 1948, olio su tela, 59x80 cm.

Venne dipinto da Magritte, prendendo spunto dal saggio “Le parole e le cose” del filosofo Michel Foucault.

Nel 1966, Magritte, scrive a Foucault, facendogli notare il suo punto di vista sulle somiglianze e le similitudini. Fa esempi con un immagine dipinta(che non significa nulla) dall’esperienza del reale, nella quale il visibile nasconde a sua volta un altro visibile.

Come per l’appunto in Ceci n’est pas une pipe, Magritte gioca con le similitudini ed i passaggi tra i livelli diversi della comunicazione. Mette in evidenza la nostra antica civiltà alfabetica nel: MOSTRARE E NOMINARE, IMITARE E SIGNIFICARE, GUARDARE E LEGGERE. La sua conclusione è quindi, che DIPINGERE NON E’ AFFERMARE.

L’originalità di Magritte, quindi, è stata nell’avere creato una nuova forma di espolrazione lontana dall’automatismo e dal mondo dei sogni.

Bibliografia: La grande pittura-Bompiani e Gedea arte, il XXsecolo-istituto Geografico-De Agosrini.

www.youtube.com/watch?v=eEVOAhCEL5c

Egon Schiele, prima di essere un grandissimo pittore, era un istintivo disegnatore. Si nota bene dalle linearità complesse che compongono le sue opere.

Nella sua pittura iniziale, troviamo dei simbolismi e dei colori che servono a dar risalto al disegno. In alcune delle sue ultime opere, il disegno ha comunque la prevalenza su tutto il resto, ma, Schiele,  reintroduce anche una collocazione ambientale alle sue figure, e si mostra, molto meno coinvolto psicologicamente.

Dalle opere che vanno dal 1910 al 1914 circa, le sue figure ricordano Klimt, ma in questo caso, tutta l’aura dorata, particolare per i dettagli, è sostituita da tinte monocrome, e quasi astratte. L’ attenzione si sposta sul concetto espresso dal disegno.

In molti dei quadri famosi di Egon, si nota la sua tormentata ricerca religiosa e spirituale. La linea è spiraleggiante, il tratto semispezzato, isterico, ma raffinato, il colore lascia una traccia essenziale.

L’abbraccio, è un olio su tela (cm 100  x 170) 1917,  si trova nella Osterreichische Galerie di Vienna. La sua visionarietà e l‘erotismo, si traducono in un raffinato linearismo. I due elementi, gli amanti, si uniscono in un groviglio di linee unico. I dolci gesti di essi, contrastano con il disegno duro ed essenziale dei corpi, del lenzuolo, dell’ambiente dove sono stati collocati, tratteggiati secondo la deformazione tipica del suo stile compostamente torturato. Il disegno è immediato e spontaneo.

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