Il 30 agosto 1748, a Parigi nasce Jacques-Louis David, il pittore francese che introdusse lo stile neoclassico in Francia, e del quale abbiamo giàà parlato nel post sul Marat assassinato.

Egli fu importantissimo nel periodo della Rivoluzione Francese alla caduta di Napoleone.

La famiglia di David, era borghese e gli permise di studiare all’Académie Royale dove ebbe come maestro il pittore rococò Vien. David.

Quando vinse il premio di Roma nel 1774 , nel viaggio in Italia fu fortemente influenzato dall’arte classica e dalla scultura romana per le sue forme sobrie e plastiche e la decisione delle posture. Da qui svilupperà tutto il suo caratteristico stile neoclassico dove le forme ideali e la sobrietà delle pose, la luce teatrale, verranno enfatizzate.

Troverà un’ altra grande fonte di ispirazione nell’ arte di Nicolas Poussin.

Uno dei suoi quadri famosi per eccellenza è il Giuramento degli Orazi(1784, ora al Louvre), che fu volutamente ideato proprio per presentare  il nuovo stile neoclassico.

Per l’impronta patriottica, il suo lavoro diventò modello principale per pitture nobili e storiche delle due decadi successive. Nel 1790, David adottò uno stile più realistico per  rappresentare le scene della Rivoluzione Francese 1789-1799 , come appunto nel Marat.

Dal 1799 al 1815 fu il pittore ufficiale di Napoleone e descrisse anno per anno, il suo regno.

Negli ultimi anni tornò a rappresentare scene mitologiche dell passato greco e ltino, dipingendo con uno stile drammatico. Nella sua opera pittorica, ritroviamo molti ritratti, considerati molto pieni dal punto di vista intimo, e molto completi tecnicamente. In essi si percepisce una grande consapevolezza del personaggio.

David morì in esilio a Bruxelles nel 1825.

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William Blake (Londra, 1757-1827), pittore, incisore, poeta, fece le prime esperienze artistiche eseguendo copie di modelli classici e antichi. Ebbe come maestro James Basire, che oltre all’insegnamento dell’incisione gli trasmise lo studio del disegno di edifici e sculture medievali; gli aspetti della pittura e della scultura michelangiolesca, ed alcuni aspetti della cultura manieristica.

Questo portò Blake ad essere influenzato dal gotico in quasi tutte le sue opere ed i suoi dipinti.

William è soprattutto concentrato sul sul tipo di suggestione che il linearismo gotico infondeva psicologicamente all’individuo che ne restava attratto.

Ie sue composizioni sono profondamente incentrate sulla linea e la forma plastica, il colore era secondario nella sua concezione artistica.

Per la tradizione figurativa inglese, egli fu molto importante per questo concetto espostoci da K.Clark: “Nelle sue creazioni migliori, sono presenti un’intensità poetica e un potere profetico che fanno di lui una figura chiave del movimento romantico”.

Con William Blake, infatti non parleremo mai di un’eccessiva tecnica pittorica,(proprio per questo era il classico artista incompreso dai suoi contemporanei),anzi si può affermare che il suo disinteresse inerente la tecnica, era quasi totale.

Come comprendere allora in modo esatto la sua opera?

Analizzando insieme l’aspetto poetico e quello pittorico-formale. Con Blake si ha infatti una sorta di interdipenza di ambedue le componenti.

Quando egli analizzava il periodo Medievale suggeritogli dal maestro, non si limitava solo a scrutare gli aspetti figurativi, e formali che lo caratterizzavano; Blake si interessò anche degli scritti particolari della letteratura occultistica, di religioni e mitologie lontane.

Un altro suo importante maestro fu Fussli che gli fece superare cli aspetti della cultura manieristica, e col quale intraprese la strada della rappresentazione di alcune opere storiche letterarie, come quelle di Milton, Shakespeare, di Dante, la Bibbia. Da qui Blake rappresenterà di più la sfera delle emozioni e della fantasia, più che quella della ragione.

Non abbandonò mai il michelangiolismo in quanto sosteneva che tramite quel tipo di figurazione, la sua teoria aveva efficacia: egli aveva la convinzione della supremazia della luce sul colore e dell’assoluta poetica che ne scaturiva.

Dal 1787 Blake si dedica ad illustrare, e stampare le proprie opere letterarie.

Nel 1810 la sua fama si oscurò e visse un periodo di miseria dolorosa. Otto anni dopo, inizia le illustrazioni per la Divina Commedia che rimasero per la maggiorparte degli abbozzi. Alcune delle sue piu importanti stampe, si trovano al British Museum di Londra e nel Museo di Boston.

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Pietro Longhi

Dipinto annoverabile tra le “Cronache dal Vero” di cui sono parte anche la tela intitolata “Il Casotto del Leone” e quella intitolata “L’Elefante” , di analoga natura rappresentativa.

Il dipinto raffigura un fatto reale, che nel clima illuminista, di fermento di studio scientifico sul vero, suscitò grande curiosità: nel Carnevale del 1751, dopo varie tappe in Inghilterra e Germania, una sorta di impresario, portò a Venezia un esemplare di rinoceronte, catturato nelle Indie una decina d’anni prima dal Capitano Van Der Meer di Leida.Come ai tempi di Dürer, che già aveva ritratto un rinoceronte in una stampa, l’evento è motivo di estremo interesse e tuttavia, contrariamente alla connotazione puramente scientifica data alla cosa dal tedesco, Longhi ne trae spunto per rappresentare una scena di genere.

In una struttura compositiva piramidale, l’animale, colto nell’atto di mangiare, ignaro e disinteressato all’attenzione di cui è oggetto, occupa la parte inferiore della tela.La sua mole proietta sul pavimento ombre scure e profonde e tuttavia curate nella modulazione delle luci che comunque le compongono, risultando così “atmosferiche” com’è nella realtà.

Sopra il rinoceronte compaiono tre differenti elementi pittorici: l’imbonitore, il proprietario dell’animale, unica figura in movimento, ritratta nell’atto di tenere nella mano sinistra il corno sottratto all’animale(probabilmente per renderlo inoffensivo) e un frustino, mentre con la destra indica al pubblico la bestia descrivendone le caratteristiche.

Al suo fianco, nel primo spalto, sono i Grimani, Giovanni e Caterina, i nobili committenti della tela, accompagnati da una terza figura mascherata: il gruppo è dominato dall’elegantissima figura di Caterina che, col suo velo scuro e orlato d’oro, forma un triangolo perfetto dominante questo brano del quadro.

Ancora alla loro destra, compare un giovane dal mantello rosso che, fumando pigramente una lunga pipa resta in tranquilla osservazione dell’animale: proprio sopra di lui è il cartiglio in cui Longhi inserisce una breve nota relativa all’evento rappresentato.

Come apice della piramide, compare un altro terzetto, composto da tre figure femminili della piccola borghesia: una bambina, una giovane dama dal volto coperto da una Moretta, caratteristica mascherina ovale da trattenere sul viso stringendo un bottone interno tra i denti impedendo quindi la parola, e una terza donna mantata di verde.

Come di consueto per Longhi, la tela è di dimensioni ridotte e, nel caso particolare, giocata su una serie di eleganti contrasti di luce e colori, in cui la scura sagoma del rinoceronte, si staglia massiccia e corposa contro il colore chiaro del legno della strttura posticcia in cui l’animale viene esibito e in cui si inseriscono armonicamente tutte le macchie di colore date dagli abiti del pubblico astante.

Interessante notare come il terzetto femminile in alto, sia atto a rappresentare probabilmente le tre età della donna, ma forse più facilmente un costante ricordo di come, nella Venezia dell’epoca, la distinzione tra classi sociali non venisse dimenticata neppure in tempi di gioco e festa o in situazioni di pubblica attrattiva: ne sono espressione il travestimento della donna della piccola borghesia con la semplice mascherina ovale e la bella Bauta, classica maschera veneziana da alte sfere, indossata dalla figura che accompagna Caterina Grimani.

Le fonti :  Zeri (Cento Dipinti sul “Il Rinoceronte”, e Adorno, Storia dell’arte Italiana vol.III tomo primo)

Il Marat assassinato di Jacques Louis David, è un olio su tela, 175X136

Il Marat di David è forse uno dei quadri famosi in cui il pittore ha raggiunto un culmine di sintesi e drammaticità che difficilmente compare in altre sue opere, decisamente più celebrative, ridondanti, cariche di enfasi oratoria.

E’ un dipinto storicamente databilissimo: Marat venne assassinato il 13 luglio 1793 e poche ore dopo David, era a casa di Marat a tracciare lo schizzo preparatorio per la tela.

Ci viene proposta un’immagine davvero intima e fragile di Marat, immerso in una vasca da bagno in cui, a causa di una grave affezione cutanea contratta nel periodo in cui doveva nascondersi in ambienti insalubri perché perseguitato dagli antirivoluzionari, doveva trascorrere buona parte della giornata; questo senza tuttavia esimersi dai suoi doveri, come testimoniano la penna, il calamaio e il foglio scritto, che si notano sul piccolo mobile in primo piano.

Nella mano sinistra egli trattiene ancora la lettera che testimonia il motivo del suo assassinio per mano di Charlotte Corday, che firma e data il messaggio. Il sangue impregna solo parzialmente la lettera e il lenzuolo sui cui Marat poggia, non è un protagonista della scena che risulta, dal canto suo alquanto scarna, priva di ogni orpello.Gli elementi che compaiono attorno a Marat, la vasca sormontata dal pianale che fa da scrittoio, il parallelepipedo assemblato alla buona che funge da tavolinetto, il calamaio, la penna, il coltello che ha spento la vita dell’uomo, sono tutti funzionali alla scena e all’espressione che costui non è l’eroe invincibile in trionfo, ma l’uomo eroico perché moralmente eccezionale, che sacrifica tutto, perfino sé stesso alla sua causa morale e intellettuale, quella del popolo, fino all’estremo.

Il dramma è ulteriormente accentuato dalla scelta delle luci, che sottolineano il pallore del corpo dell’uomo e lo delineano, specie attorno al capo, grazie ad uno sfondo scuro e incombente, vuoto, la luce piove direttamente da sinistra, mettendo in risalto il volto, lo scritto sul ripiano, il braccio abbandonato verso terra.

E’ una scena silenziosa e immobile, a chi osserva non rimane che constatare l’accaduto, un’immagine in cui è evidente il profondo studio dei dipinti caravaggeschi (il braccio destro di Marat è quasi un aperto tributo a quello del Cristo nella Deposizione del Merisi).

Non è di secondaria importanza sottolineare il personale coinvolgimento del pittore nella scena che ritrae, perché è da uomo della Rivoluzione, non solo da artista, che rappresenta il fatto.

David si impegnò personalmente nel sostenere gli ideali rivoluzionari, fu seguace di Robespierre.

Il dipinto, ormai noto come “Marat assassinato”, era in realtà una vera e propria dedica, personale e commossa, il cui titolo risiede in quel “à Marat, David” chiaramente leggibile nella parte inferiore del piccolo mobile di legno.

fonti: Adorno e Zeri ( Storia dell’arte iataliana vol. III tomo primo e Cento dipinti).

Scritto da: Valentina Vezzani, Eleonora Vignaroli

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In Italia in questo periodo, si sviluppa la grande poetica del colore tra i piu grandi pittori veneziani. Già con la fine del Barocco, alla fine del 600, fermentano i primi accenni al Rococò.

Grassi realizza un suo stile veramente personale passando dalla tradizione del 600 friulano alle influenze e le novità settecentesche della pittura veneziana. Questo suo stile è caratterizzato da un segno nervoso e piuttosto incisivo, e tinte sfumate e pastellate.

Nicola Grassi ebbe dei seguaci che  testimoniano la sua importanza e notorietà  come per esempio Giovanni Francesco Pellizzotti.

Fu anche molto stimato come ritrattista dai suoi contemporanei, competitore di Rosalba Carriera, egli fu anche ottimo pittore di temi sacri, largo e pastoso nella pennellata, arguto nei tipici visi satireschi, che si affacciano di sbieco, egli racconta le storie del Vecchio e Nuovo Testamento in un modo veramente originale.

L’ Adorazione dei Magi si trova a Udine, nella Galleria d’arte antica del Museo Civico del Castello.  In quest’opera famosa,  ritroviamo le particolarità stilistiche dell’artista attraverso le posizioni dei soggetti, sempre un pò a tre quarti, i passaggi chiaroscurali decisi e delicati, i colori pastellati e perfettamente intonati tra loro.