La Tour, nasce nel 1593, ma della sua formazione artistica, si sa molto poco. Vi sono poi, solo due opere datate una del 1645 e l’altra nel 1650.

Non avendo questo tipo di informazioni, molti studiosi d’arte, hanno tentato di ipotizzare l’iniziale formazione artistica di La Tour, servendosi della serie di dipinti dove egli raffigurava personaggi isolati, tipo: contadini, cantastorie, popolani e figure sacre spogliate della loro sacralità. Collocava questi personaggi in rappresentazioni di osterie ed in contesti  sociali poveri dove si aggiravano ubriachi, e anche zingare.

Da questi particolari, molti esperti si sono interrogati se La Tour, abbia avuto a che fare con un ipotetico insegnamento del Caravaggio che nella sua fase iniziale pittorica, si dilettava per l’appunto con rappresentazioni di luoghi come quelli sopra descritti, dove collocare i suoi personaggi. Non solo , in molti paragonano la teatralità delle scene di La Tour a quelle di Caravaggio…

In più, nel 1610/16, si sa per certo di un viaggio, che George fece in Italia.

In generale, nelle sue opere, non c’è una grande varietà di temi, non ci sono pervenuti molti ritratti e paesaggi e nature morte. Egli infatti, trattava per lo più figure sacre dissacrandole collocandole in ambienti pieni di simbolismi e dalla scenografia incerta, scura, con poche variazioni tonali, davanti a muri scuri, neutri e quasi desolati.

Si suole suddividere la sua produzione pittorica in dipinti diurni e dipinti notturni.I primi apparteneti alla fase giovanile, gli altri, a quella matura.I notturni sono schiariti dalla luce artifiale e da  candele . Sono caratterizzati da sbattimenti di luci ed ombre alternate i modo violento e coreografico, che risaltasse la drammaticità e l’espressività dei personaggi.

Tra i sui quadri piu famosi, troviamo la Maddalena Penitente, dipinta due volte, ma si pensa anche piu volte. Una si trova ora al Louvre di Parigi, l’altra al Metropolitan Museum di New York.

La prima, Maddalena penitente( Maddalena Terff) è un olio su tela 128×94; la seconda, Maddalena penitente è un olio su tela  134×92.

In queste due rappresentazioni c’è il picco massimo della poeticità di La Tour. La Maddalena, in tutte e due le rappresentazioni è chiusa in se stessa, in un personale e doloroso raccoglimento interiore: c’è la presenza di un teschio sulle sue ginocchia, come fosse la rappresentazione di un comune oggetto d’uso e la candela accesa.

Sono due dipinti ampiamente notturni ed essenziali, vi sono dei simbolismi deisamente evidenti, il rigore di tutti gli elementi compositivi, fa pensare al raggiungimento della maturità massima espressiva dell’artista.

Nel secondo dipinto, c’è anche la prsenza di uno specchio. Nel primo, di cappi e corde. Per non elencare altri particolari che approfondiremo meglio prossimamente.

Giovanni Pietro Bellori, prese in esame la pittura e la personalità di Rubens, in particolare in “Le vite”, che è una delle sue maggiori opere. Sinteticamente, si diceva di Rubens che era un signor pittore e un grande teorico della pittura.

Piero Paolo Rubens, nacque il 28 giugno 1577 a Siegen in Westfalia, la sua infanzia fu turbata da morti premature nella sua famiglia, poi a 10 anni si traferisce ad Anversa, dove prosegue studi di latino, spagnolo, francese, tedesco, arte e letteratura sotto la filosofia dell’erudito e famoso umanista Rumoldus Verdonk. Poi per problemi economici, la madre lo dovette ritirare dagli studi e iniziò a lavorare come paggio dalla contessa Margherita della Laing. Tutto questo farà di lui un buonissimo diplomatico.

Il suo più importante maestro in pittura fu proprio Otto van Veen, primo pittore fiammigo che venne in Italia e riportò la scia dell’umanesimo rinascimentale nella pittura del nord. Anche Rubens, decise di venire in Italia, in modo da ammirare la nostra grande arte. Nel 1600 a Venezia, conosce i capolavori di Tiziano, del Tintoretto, del Veronese, e ovviamente il Caravaggio.. Fino al 1608, sarà nominato pittore di corte dall’appassionato di arte fiamminga, il Duca di Mantova Vincenzo Gonzaga. Dopo questo soggiorno di 8 anni in Italia, fa ritono ad Anversa, dove viene nominato pittore di corte dell’Arciduca Alberto nei Paesi Bassi Olandesi.

Nella sua pittura, si legge chiaramente la propensione verso la parte tragica e teatrale delle rappresentazioni, la caratteristica fondamentale delle luci e delle penombre tipica delle sue origini, i volumi accentuati dai chiaroscuri, i colori messi in risalto dal fondo in ombra, l’accentuazione del phatos e del movimento. Per certi versi ci appare pittore dei sensualismi dei nudi femminili, dall’altra parte, l’artefice delle raffigurazioni delle cattedrali , l’amico dei Gesuiti, il contenitore della concezione cristiana in accordo col vivere pagano.

La sua fama si propagò anche nei secoli successivi, e fu uno dei prediletti dei romantici, per l’intensità della sua immaginazione. Di lui Baudelaire, scrisse:

” Rubens, fiume di oblio, giardino della pigra indolenza, cuscino di carne dove non si può amare, ma ove si agita e affluisce la vita senza posa, come aria in cielo, e mare dentro il mare.”

Attualmente, anzi dal 31 dicembre al 15 gennaio, potete ammirare qui in Italia, anzi a Salemi, e per merito di Vittorio Sgarbi, uno dei suoi quadri piu famosi: l’ Adorazione dei Pastori.

«C’è un curioso richiamo di numeri che accomuna Salemi, Messina, Rubens e Caravaggio, e che si riallaccia idealmente al “Progetto Terre m otto” di Oliviero Toscani. Nel 1608 Rubens realizza il dipinto “L’Adorazione dei pastori”, viene in Italia a Roma sperando di incontrare Caravaggio che invece si trovava a Messina. A Messina nel 1908 c’è il maremoto. Nel 1968 c’è il terremoto a Salemi e in tutta la Valle del Belice. L’otto è dunque il numero chiave. A quattrocento anni di distanza, attraverso le opere nelle quali vive lo spirito degli artisti, Caravaggio e Rubens si incontreranno a Messina, cent’anni dopo il terremoto che, all’alba del 28 dicembre 1908, sconvolse la città. E minacciò di cancellare anche l’opera di Caravaggio che Rubens avrebbe voluto vedere. L’Adorazione dei pastori, appunto, dipinta per l’altar maggiore di Santa Maria la Concezione in contrada della Verza». Vittorio Sgarbi.

video adorazione dei pastori

]]> http://quadrifamosi.net/396/600/rubens-ladorazione-dei-pastori.html/feed 0 http://quadrifamosi.net/55/600/caravaggio-la-canestra-di-frutta.html#utm_source=feed&utm_medium=feed&utm_campaign=feed http://quadrifamosi.net/55/600/caravaggio-la-canestra-di-frutta.html#comments Sat, 31 May 2008 10:23:00 +0000 Eleonora Vignaroli http://quadrifamosi.espertoseo.com/?p=42 Michelangelo Merisi da Caravaggio…..Nel mio post precedente, riguardo questo genio della pittura, ho sottolineato l’aspetto fondamentale e quasi visivamente invisibile della sua opera… Posso definirla l’interno e l’esterno.

Tutto quello che appare fondamentalmente di una perfezione inaudita, al suo interno sta marcendo, sta cambiando, ha nascosto, marcisce.

La Canestra di frutta è assolutamente l’esempio lampante di questa definizione. (cm 46 x 64, MI, Pinacoteca Ambrosiana. Mensionata in una lettera del Cardinale Del Monte al Cardinale Borromeo, l’opera, si data verso il 1595). (Da “I Maestri del Colore”Fabbri Editori).

E’ una natura morta impeccabile, nella composizione, nel senso del vero con la sua tecnica straordinaria e personale passata alla storia, nella sua totale naturalezza, che infatti se guardata attentamente… Denuncia l’imperfezione, quel piccolissimo particolare che conferma il concetto di esterno-interno. Se si vede bene la mela rossa più o meno al centro del dipinto, si notano due piccoli fori, quelli tipici di quando la mela ospita un vermiciattolo….

Questo anche se quasi invisibile, al suo interno la sta pian piano logorando. Le foglie appassite, per la maturazione, rendono l’idea dell’ autunno.

Al periodo di Caravaggio, (1600 circa ), le opere venivano commissionate, ma anche lui, perfetto esecutore e rappresentante dell’ arte della sua epoca, ebbe la necessità, attraverso la pittura di esprimere comunque la sua idea….Anche quasi sottovoce.

Nella sua totale naturalezza, rappresentava i suoi soggetti come unici attori protagonisti in primo piano, senza troppe allusioni negli sfondi ed enfatizzazioni inutili, deformandola però con la scelta dell’ illuminazione che giocava con il plasticismo dei suoi volumi ideali… Tra poco saranno visibili tramite una mostra molto particolare, i punti fondamentali della sua opera.

Artemisia come il padre, amò la preziosità dei colori e la resa delle stoffe; tra le sue opere famose, fra cui Giuditta uccide Oloferne, Maddalena, c’è l’ Autoritratto come allegoria della Pittura , che è l’opera rappresentata in alto.

Come abbiamo detto, i colori avevano un’importanza fondamentale: l ‘intensità, la pastosità, la cromaticità.

Le sue figure, generalmente, dato il periodo storico, erano iconografie di personalità illustri, di santi, etc.., ma la particolarità di Artemisia, fu rappresentarli con la sua emotività che li faceva vedere sotto un punto di vista che andava in contrasto con la mentalità del periodo.

Artemisia non si accontentava dell’involucro e lasciava alle sue figure l’anima.

Si nota anche dal suo autoritratto, elegante ma estremamente ironico, la qualità altissima della sua pittura: uso della luce, anatomia quasi perfetta, panneggi, predisposizioni prospettiche, composizioni stilistiche altamente bilanciate, calore.

Nell’autoritratto, si vede come lei si sta dipingendo e probabilmente quel tipo di scelta cromatica coloristica, potrebbe essere la collocazione interiore della stessa; il volto è iniettato di luce, come il petto ed il braccio…. ( probabilmente, con una ricerca ben dettagliata, potrete sapere altro a livello tecnico, ma in questo momento e in questo articolo, non è nel mio intento), il resto, cioè il vestito ed il corpo, sono composti da toni scuri.

Questo perché la luce venne usata per mettere in evidenza , la sua diversità , la sua intelligenza, ( anche se era donna), era quasi un simbolo, che però era stato usato bene in stesura, per non essere troppo evidente.

Nella sua vita, l’ aspettarono molte sofferenze, ma queste non le impedirono di essere Artemisia, di sciogliersi da scuole accademiche e proprietà, di vivere da artista.

Il corpo di San Matteo, è quello riverso a terra, e le sue linee compositive, divergono violentemente dalla composizione. Sembra infatti che la sua figura sia inscritta in una spirale che finisce a terra simbolizzando il fulcro portante dell’opera.

Anche le linee della figura del carnefice, sembrano avere lo stesso scopo; anche se vanno poi, a formare un triangolo compositivo che unisce vittima e carnefice.

Da questo nodo centralizzato , poi, si propaga una forza centrifuga che lungo le sue direttrici, attrae tutti i personaggi colpiti dal dramma.

Il Caravaggio sembra poi cogliere con estrema sensibilità le sensazione di chi assiste alla morte del santo: chi con paura, chi con sgomento, incredulità, estremo dispiacere….

E poi all’ improvviso, irrompe nella scena un angelo che suggella la scena del martirio.

Le ali dell’angelo, mi riportano alle famose ali degli angeli di Giotto, scandite dalle prime sfumature tonali, come anche l’elemento luce che andrà a evidenziare le varie volumetrie.

Quest’opera fu commissionata al Caravaggio, nel 1599 circa per la cappella di San Matteo in San Luigi dei Francesi.

In questa composizione, il Caravaggio impone un nuovo modo di narrare: più partecipe e appassionato e barocco.

Non a caso è da notare l’importantissimo ruolo della luce che sembra uscire dal buio solo per accentuare i gesti, le muscolature, gli sguardi fondamentali. In poche parole essa è veramente la scopritrice della verità e la sua stessa denuncia e descrizione.

Senza contare, l’importanza che essa dà alle volumetrie dei corpi compositivi, e alle posizioni prospettiche, e alle figure scandite in quelle linee concentriche che creano la scena quasi teatrale.

Le luci e le ombre di questo artista, che nei simbolismi appena accennati è quasi contemporaneo, hanno la stessa importanza nei loro ruoli: ambedue celeranno ed evidenzieranno segreti della sua socetà, e opinioni dello stesso artista.