Questo è uno dei più famosi quadri di Albrecht Dürer:

Nel ritratto di Oswolt Krel (1499, 49,6 x 39 cm, Monaco Alte Pinakothek), troviamo ritratto un ricco mercante svevo. E’ un dipinto di altissima qualità compositiva, cromatica e psicologica. Riesce a far capire come il Durer, esprime meglio proprio nel ritratto, la sua acutezza di indagine sul mondo che lo circonda.

Lo storico d’arte Ernst Buchner, nel 1953, scrisse di questo dipinto:

“Il fiero ritratto di Oswolt krel è pieno di vigore, la composizione piena di potenza, compatta, ma non angusta. La presa salda dell’abito bordato di pelliccia, appoggiato sulle sue spalle, lo sguardo aggressivo, quasi minaccioso, il portamento eretto e mascolino, sottolineato dalla striscia verticale della tenda rosso brillante creano l’impressione di una personalità forte e dominante”.

Fu uno dei primi pittori nordici ad introdurre l’aspetto psicologico nei suoi soggetti, perché anche il lato interiore che usciva fuori, creava maggiore intensità e carattere al ritratto.

Nel 1498, Durer, inizia ad autoritrarsi rivendicando così, l’importanza degli artisti nordici, prendendo da esempio quelli italiani, che invece erano famosissimi ed elogiati e considerati nel giusto modo. In questo fu il precursore dell’autoritratto nordico. Tra i più grandi artisti italiani, ammirò molto Leonardo. e Giovanni Bellini.

Fece due importanti viaggi in Italia, il primo da ventenne, il secondo trentacinquenne. Durante il viaggio più maturo, Durer si reca in quasi tutte le città italiane più in fermento artistico e scientifico fra cui Bologna, dove era interessatissimo ad un incontro col matematico Luca Pacioli ( autore del De Divina Proportione ); e con l’artista Jacopo de’ Barbari.

In questo periodo vedrà risolti molti dei suoi problemi economici ed arriverà alla sua vetta artistica massima , perché comincerà ad avere la giusta concezione di se stesso nel suo ruolo di artista. Comincerà ad autoritrarsi in molte delle sue opere più importanti ( una delle quali, L’Adorazione della SS. Trinità.

Durer fonderà insieme tutti i nuovi elementi pittorici appresi in Italia con le sue basi gotiche. Questo lo renderà unico e fonte di ispirazione per la nascente fermentazione manieristica italiana.

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Ebbero un ruolo rilevante nella sua formazione lo studio delle opere di Polidoro da Cravaggio e il contatto con la bottega di Perin del Vaga,( un  artista dallo stile aulico e sontuoso, svolgeva alcune commissioni di papa Paolo III Farnese.

Taddeo Zuccari si ispirava nelle sue forme, composizioni e volumetrie ai grandi maestri: Raffaello e Michelangelo Lo stile coloristico, invece si rifà alla pittura dell’Italia settentrionale.

I suoi affreschi a soggetto mitologico di Villa Giulia (1553), sono visibilmente  ispirati a Raffaello.

Nella cappella Mattei nella chiesa di Santa Maria della Consolazione a Roma, e negli affreschi di Palazzo Orsini a Bracciano (1559-1560), invece il carattere fantasioso del suo stile viene espresso soprattutto nella decorazione.

Questa una delle sue ultime opere: Pietà, 1564-65, (Galleria nazionale delle Marche, Urbino).

Taddeo Zuccari realizzò anche molte opere su commissione per l’aristocrazia, ma con uno stile un po’ freddo, come si vede negli affreschi della villa dei Farnese a Caprarola (1560).

Tra il 1564 e il 1565 realizzò la decorazione della Sala Regia in Vaticano.

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Terzogenita nella famiglia de Medici, crebbe tra Palazzo Vecchio e Palazzo Pitti.

Nel 1553, aveva solo sette anni, ed i genitori stipularono per lei un contratto di nozze a Roma con Paolo Giordano I Orsini, duca di Bracciano e  membro del potente clan degli Orsini, un uomo troppo impulsivo e cinico. Era ancora adolescente quando venne condotta a nozze nel 1558.

Isabella aveva un carattere spigliato e disinvolto, ma chiaccherato. Infatti si sosteneva che quando Isabella veniva trascurata durante i lunghi viaggi del marito, lontano da Firenze, era sorvegliata dal cugino del marito Troilo Orsini con il quale, però sembra che, condividesse rapporti più che affettuosi inoltre, i due non perdevano un’occasione per stare vicini.

Quello che vedete illustrato in questo post, è il ritratto di Isabella de’ Medici (Galleria degli Uffizi) fatto da Alessandro Allori, del quale trovate informazioni dettagliate cliccando il link sul nome che vi abbiamo consigliato.

Alessandro veniva soprannominato Bronzino, ma non è da confondere col vero Agnolo Bronzino anche se fu il suo maestro per molti anni, e da quanto sembra, lo trattava come un figlio, ( uno dei grandi capolavori , e quadri piu famosi del maestro fu proprio il ritratto di Eleonora da Toledo col figlio Giovanni conservato nella Galleria degli Uffizi).

In questo ritratto, troviamo alcune caratteristiche che effettivamente, ci riportano al maestro: una concretezza quasi palpabile del soggetto, le espressioni e le posizioni invece sono più idealizzate. Le luci ed i colori del ritratto ,vengono fuori dalla dimensione temporale in cui è collocato il soggetto. Il fondo scuro serve a rafforzare proprio questo concetto e sembra immobilizzare Isabella in un tempo incorrotto ed immortale. Da non dimenticare la corrente pittorica dove fu collocato il Bronzino: quella manieristica.

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Questa pala di altare fu commissionata da Palla Strozzi, nel 1420. Terminato tre anni più tardi, fu sistemato nella nuova cappella nella chiesa di Santa Trinità. In quest’opera l’autore inserisce elementi di cultura internazionale influenzata però, dallo stile senese a cui deve molto. In più compaiono i valori rinascimentali, che bene si notano in questa e in altre opere.

La pala rappresenta il cammino dei tre saggi orientali che seguirono la stella cometa per arrivare al cospetto di Gesù. Il tutto è raccontato in una serie di didascalie all’interno dello stesso spazio. Dall’alto a sinistra (il cammino dei Magi con l’entrata in Betlemme) si procede poi in senso orario, fino ad arrivare all’ incontro con il Bambino che si trova nella metà inferiore del dipinto. Tutte le figure dipinte, ad eccezione della Sacra Famiglia, vestono splendidi costumi rinascimentali, broccati riccamente decorati con oro e pietre preziose realmente inseriti a decorazione del dipinto, punzonati e incastonati.

La grande cura dei particolari è tipica di Gentile da Fabriano, che inserisce nel corteo di quest’opera, anche animali esotici quali un leopardi, drommedari, delle scimmie e un leone, oltre ai cavalli e al levriero.

La pala è incorniciata in una struttura lignea dorata che mescola il gotico senese al rinascimento fiorentino e che porta sulle tre cuspidi altrettanti tondi raffiguranti Cristo.

Nella predella tre dipinti rettangolari mostrano tre scene della vita di Gesù bambino, la Natività, la fuga in Egitto e la presentazione al tempio (questo dipinto è una copia, essendo l’orginale di proprietà del Louvre dal XIX secolo).

Cristo è ritratto morto, supino, su di un letto di marmo. È affiancato da figure che piangono la sua morte, Maria, San Giovanni e da una terza figura, probabilmente, la Maddalena.

Sono fortissimi i contrasti  di luce e ombra. Inoltre, il realismo della scena è accentuato dalla prospettiva, violenta e quasi tragica, ( in molti, pensano che il Mantegna sia stato ispirato dalle prospettive ed i volumi di Donatello ), che accorcia la figura, distorce dettagli anatomici, ma volumizza altre parti del corpo del cadavere. C’è una tensione fortissima, unica che, nonostante la dammaticità dei lineamenti, del corpo, la sua posizione prospettica, e la sua collocazione, lo rende unico, bellissimo.

Il Mantegna, fu uno dei primi artisti a ritrarre il dramma umano attraverso prospettive, volumetrie di corpi che si contrapponevano con l’ icona dell’ideale sacro, fatto invece di simbolismi e austerità e compostezze anche nei riguardi della morte.

Molto evidenti, sono i fori nelle mani e nei piedi del Cristo, e nei volti delle alre figure, invece tutti i tratti anatomici espressivi sottolianeano il dramma. Il torace è la parte anatonica più in tensione ed in evidenza, sia per l’elemento del telo posizionato sotto, sia per la scelta prospettica su di un corpo, mai utilizzata prima da nessun altro.

“Ebbe sempre opinione Andrea che le buone statue antiche fussino sempre più perfette e avessino più belle parti che non mostra il naturale [...] Mostrò costui col miglior modo come nella pittura si potesse fare gli scorti delle figure al di sotto insù, il che fu certo invenzione difficile e capricciosa.”( G. Vasari ).

Il telo che copre le gambe di Cristo, poi, sembra accentuarle tese fino a dare il senso del freddo della lastra di marmo sul quale è riposto. In molti posano l’attenzione su di un particolare: i genitali del Cristo che sono stati messi in evidenza proprio al centro del quadro. Ovviamente per questo, ci sono centinaia di interpretazioni, forse come al solito, inutili…

Ora, il dipinto, è di proprietà della Pinacoteca di Brera a Milano.

Il dipinto, olio su tavola, simboleggia Marte e Venere, ( 69×173 cm), 1483 circa, e si trova nella National Gallery di Londra…

-Si pensa che l’abbandono, il sonno, della figura di Marte, allude, all’effetto benefico di Venere sulle discordie e sulle guerre.

Il fondo roccioso ha un effetto quasi magico, e vi si associa la stessa completezza e lo stesso spessore spirituale che si nota nei lineamenti della Vergine.
Per quello che riguarda questo punto, cioè, quello dei tratti dei volti delle figure di Leonardo, in particolare, quelle femminili, ci sono da dire delle cose fondamentali, ormai quasi accertate dell’artista, o meglio, “del genio”…Piccoli particolari sui quali lo stesso Sigmund Freud, elaborò la propria versione…

Cioè, l’artista, sarebbe cresciuto con il complesso di avere due madri…Infatti, è praticamente certa, la nascita illegittima di Leonardo, (16-4-1452)da Piero di Antonio e Caterina, poi, da molto piccolo, vivrà col padre e la madre adottiva.

Freud, porrà l’attenzione, proprio ad un sogno che Leonardo trascrisse e che fece spesso: il “Sogno del Nibbio“.
Anche questi punti, quindi andranno a caratterizzare tutto questo misticismo che tutti cogliamo nei tratti dei volti delle “donne” di Leonardo…Delicati, ma pensanti, intelligenti, riflessivi, allusivi, che vivono nel loro spazio dove si trovano collocati, ma si elevano dall’interno a qualcosa che è sempre oltre.

Leonardo, da adolescente, studierà a Firenze, nella bottega del Verrocchio.

Oggi, troviamo La Vergine delle rocce al Louvre.
Di quest’opera possiamo dire che era un dipinto ad olio su tavola, più o meno terminato nel 1486 e la sua stesura, durò per almeno 2, 3 anni.
Successivamente, fu trasferito per restauro su tela nel XIX secolo.
La scena è collocata in un’architettura meravigliosa composta da grandi rocce e qui e li fiori e piante.
Lontano si percepisce un’altra delle sue caratteristiche principali: una sorta di prospettiva atmosferica..
In più vediamo che l’abbraccio della Madonna, è rivolto a Giovanni Battista, che è rappresentato come un bimbo nudo, che sta osservando Gesù, rappresentato in un altro bimbo nudo, mentre Maria, con l’altra mano gli benedice il capo. Dietro a Gesù, troviamo la figura di un angelo che indica Giovanni mentre con uno sguardo tipico dei volti “leonardeschi”, tenta di spiegare la storia a chi osserva.
C’è talmente tanta comunicazione tra le figure di questa scena, sia a livello sturtturale, compositivo e tecnico, che “emotivo”, tanto da farla risultare quasi cinematografica..E tutta questa comunicazione, si svolge sempre nel contesto di questo silenzio mistico di Leonardo…
Questa versione, la prima, si trova al Louvre, ma c’ è una seconda versione, che si trova alla National Gallery di Londra. Forse, specificare che si tratta di una delle opere più famose di Leonardo, è inutile, e anche il fatto che sia una delle tante che cela molti dei concetti inspiegabili.

Ognuno di noi, ogni critico d’arte, può dedurre tutto ciò che vuole dai quadri famosi di Leonardo da Vinci, da questi gesti e dai lineamenti appena accennati, che però, secondo me, rimarranno un enigma ancora per moltissimo tempo…
Il succo dello scopo di un genio, è racchiuso proprio negli accenni impercettibili della sua grande opera.

Immagine presa da flickr ed è di bassa risoluzione, alcune delle informazioni provengono dai link evidenziati.Per altre informazioni sulla provenienza di altri concetti o voci, guardare alla fine della pag. iniziale del blog. By Quadri Famosi

Attenzione! …le Zanzare sono talmente tante, che è un’illusione pensare che schiacciandone una, le altre non possano pizzicare ancora, e alcune di quelle più velenose, ( che pensavamo di aver eliminato, ci riservano sorprese) , quelle di cui abbiamo più paura, o quanto meno ci sfastidiano, si abituano pian piano ad alcuni veleni, e diventano sempre più grandi e sempre più forti, tanto che il loro veleno, quando ci pizzicheranno ancora e comunque, sarà più fastidioso, e la bolla, così grande che potrebbe lasciarci la cicatrice … Ah ah ah!!! E poi le zanzare sono attratte tantissimo dall’ Acqua, in particolare quella dolciastra, e un po’ sporchina, che se per sbaglio, ci metti un dito dentro, e ti rimane la puzza, vieni pizzicato all’istante..L’altro elemento che le attrae è una fonte Luce forte, ma innaturale e fastidiosa che sembra sempre accesa, ma una volta che loro si avvicinano troppo, le fulmina… Ah ah ah ! E ben gli sta..E per fortuna esistono ancora i pipistrelli!

Morale: l’illusione sta nell’idea di momentanea soddisfazione che si potrebbe avere, quando se ne schiaccia una per sbaglio, che si pensava fosse quella che ci ha già pizzicato, invece, non che è che la gemella…E quindi dovremmo aspettarcene delle belle!( bolle )…

A voi pizzicano le zanzare ?!…Scusate, mi è venuto spontaneo…prima ho letto una cosa che mi ha veramente fatto sorridere..

Ma ora aggiungo anche dell’altro… Si…! ..E’ un po’ che non scrivo in modo continuo e oggi ne ho veramente voglia….

Però torno in argomento col mio blog e voglio dedicare questo post anche a un “tizio” che si chiama Hieronymus Bosh…Bé oltre ad essere un mito immortale, inconsciamente l’ho collegato alle zanzare…forse chi lo ama, mi può capire…oppure una zanzara mi ha appena punta e mi ha dato alla testa… ah ah ah …No? va bé fa niente! Io ho detto la mia!

Sapete, Bosh, mi fa pensare alla pazzia, al mondo marcio dei suoi e i nostri giorni, alle cose sacre sporcate dallo schifo del’uomo, alla sporcizia fisica e mentale dell’umanità, ai suoi insetti, a mosche e zanzare, all’inadeguatezza, al tormento ed il suo contrario…

In Portamento di croce, tutto questo o quasi, c’è.
Questa è l’immagine del superamento del dolore, personale e collettivo, è la fase successiva : la pazzia del genio che la controlla e la impasta coi colori per denunciare la sua vita nella societa e la sua stessa essenza.

E’ l’emblema di quello che a parole, non si raggiunge, di ciò che non si spiega, ma di quello che pochi possono o devono vivere e percepire, e usare, e dipingere, ed esprimere…Qui l’umanità urla imbestialita qualcosa che è quasi morte… Il dramma di vivere che pesa come un macigno e una minaccia…L’uomo non è abbastanza per avere il privilegio di vivere.
Lo studio fisiognomico di Bosh, si mescola si unisce alle forme , al dramma, all’aspetto caricaturale dei personaggi che sghignazzano “CHI” regge la loro croce.

L’ irrazionale scende in tutti i suoi quadri, quelli famosi, quelli non famosi, in tutti i suoi disegni, in tutto quello che ha lasciato una traccia di lui su questa terra.

Nel suo periodo, ( verso la fine del 1500), il mondo dell’arte era dominato dai temi sacri, dalla pittura fiamminga, dal gotico, dal clero corrotto; e invece, lui dipingeva “cose” del tipo: Il Trittico delle delizie, e parlava alla gente, che scandalizzata o no, intanto assorbiva, osservava…
Ogni simbolo e figura divenivano mostruosi, l’incubo denunciava.
In quell’esatto periodo storico, la gente dei paesi nordici stava vivendo il clima della chiesa inquisitoria, delle streghe, delle sette segrete, ( ad una di queste è probabile, appartenesse anche Bosh), che si opponevano ad ambedue, c’era la lotta alla magia che poi però, venne colpita e vietata con la morte dalla bolla pontificia ” Malleus Maleficarum “.

Ora…tanto per aggiungere due righe righe in più…( sto scherzando), consiglierei a qualcuno che fosse interessato di questo argomento, di leggere un libro che per molti sarà stato materiale scolastico, ma per la maggior parte di chi intendo io , no : Elogio della pazzia , di “un certo” Erasmo da Rotterdam.. ( facendo caso a date, alcune descrizioni ed allusioni).

Grazie per l’attenzione, sta volta sono stata più prolissa e apparentemente un po’ più incoerente… (e comunque sulle zanzare, spero che qualcuno la pensi almeno simile a me! ciao!!!)

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Il Tondo Doni.

Rappresenta la Sacra famiglia, ma anche simbolicamente, il concetto primario e fondamentale delle nostre famiglie.

Questo accadeva ed accade quando, tra due individui dello stesso sangue, rimane il filo conduttore che unisce profondamente tra entrambi, l’ anima al cuore, al corpo.
Un amore innato ed eterno, qualcosa di così complice e pulito che nemmeno bestemmiandolo, lo si sporca….

Con Michelangelo ,più o meno 1504, in genere si parla di nuovo Rinascimento italiano, che da Firenze, si ramifica poi, ovunque…Ma ora, non voglio concentrare la mia attenzione sulle date, i nomi, i periodi…
Volevo solo paragonare quest’opera straordinaria,( non soltanto perché di Michelangelo ), con una delle opere del nostro grande 2008 italiano… Non tratterò di quest’ opera a livello artistico, non mi compete, già ovunque sintetizzata, analizzata, criticata, studiata…
Bé senza troppe parole di mezzo..ecco uno degli ARTICOLI a cui volevo paragonarla.

Io non so, negli ultimi anni che cosa stia succedendo… troppi di questi casi che si accumulano, come tutti i nostri problemi quotidiani… I troppi impegni, i problemi nel rapportarsi col tempo della società, il giudizio degli altri, la profondità che non di può più curare in ognuno di noi a causa della velocità e la praticità di ogni istante… Il corri corri, le ansie, le malattie psicologiche…o semplicemente la stanchezza di vivere… La società e tutto ciò da cui è costituita, sembra essere più importante del calore, del cerchio magico della famiglia. Questo annebbiamento generale della nostra mente, probabilmente ci offusca anche la memoria, che nei momenti di stress sembra davvero sparire dalle nostre percezioni, e così, purtroppo, a volte accadono tragedie alle quali si preferisce morire…
La società ha inghiottito una donna stanca di sopportare la vita,( una delle tante), così, la morte ha inghiottito la sua bambina, ha stroncato il filo conduttore, e quel legame che c’era tra la loro anima, il loro cuore, il loro corpo.